Geleneksel Japon resmini modern bir vizyonla yorumlayarak “Nippon-ga” tarzını geliştiren sanatçı ve akademisyen Taro Yamamoto ile keyifli bir röportaj gerçekleştirdik; kendisiyle klasik Japon estetiğinin kökenlerinden tarihsel dönüşümlere ve geleneksel sanatın çağdaş dünyadaki geleceğine uzanan derinlikli bir söyleşi yaptık.

Başlarken kendinizi tanıtır mısınız? Sanatsal ve akademik geçmişinizden bahseder misiniz? Geleneksel Japon resmine ilginiz nasıl başladı?

Ben Taro Yamamoto. Şu anda çağdaş sanat alanında, geleneksel Japon resmini güncelleyen çalışmalar üretiyorum. Aynı zamanda Kyoto Sanat ve Zanaat Üniversitesi’nde ders vermekteyim.

2000 yılında Kyoto Sanat ve Tasarım Üniversitesi Japon Resmi bölümünden mezun oldum. Ardından, 2013 yılında Akita Sanat Üniversitesi’nde doçent olarak çalışmaya başladım; 2018’den itibaren ise eğitim gördüğüm yer olan Kyoto Sanat ve Tasarım Üniversitesi’ne geçiş yaparak orada da doçent olarak görev aldım. 2022 yılından bu yana ise şu anki kurumum olan Kyoto Sanat ve Zanaat Üniversitesi’nde çalışıyorum.

Geleneksel Japon resmini ciddi anlamda çalışmaya 1996 yılında üniversiteye girdiğimde başladım. Kyoto, geleneksel kültürün hâlâ canlı bir şekilde yaşatıldığı bir şehir. Geleneksel Japon resmi üzerine çalışmalarıma böyle bir yerde başlayabilmiş olmak benim için son derece anlamlıydı.

1999 yılında, geleneksel Japon resminin modern bir güncellemesi olan “Nippon-ga” adını verdiğim yeni bir tür ortaya koydum ve sanatsal üretimlerimi bu tarzda gerçekleştirmeye başladım. Geleneksel Japon resmi genellikle “Nihon-ga” olarak adlandırılsa da, ben bunu benzer ama farklı bir tür olarak ayrıştırmak amacıyla bilinçli olarak “Nippon-ga” şeklinde telaffuz ediyorum.

Geleneksel Japon resminin teorik temellerini nasıl tanımlarsınız? Özellikle Nihonga, Yamato-e ve diğer ilgili stillerin estetik ve felsefi arka planı hakkında neler söyleyebilirsiniz?

Geniş bir perspektiften bakıldığında, geleneksel Japon resmi Doğu Asya’da gelişen resim tarzlarının bir parçası olarak kabul edilebilir. Sadece resim gibi kültürel alanlarda değil, siyasi sistemler açısından da antik Çin, Doğu Asya’nın oldukça ileri bir ülkesiydi.

Geleneksel Japon resmi, başta Çin olmak üzere diğer Doğu Asya ülkelerinin etkisi altında gelişmiştir. Tarihte geriye doğru gidildikçe, yalnızca malzeme ve tekniklerde değil, resimlerin konularında da Çin etkisi daha güçlü bir şekilde hissedilir. Ancak zamanla, tamamen Çin etkisinde kalmayan resimler de ortaya çıkmaya başladı. İşte bu, Yamato-e‘dir.

Yamato-e resmi, malzeme ve teknik açısından genel olarak Doğu Asya’dan büyük bir farklılık göstermezken, motifleri klasik Japon edebiyatından hikayelere kaymış; tarzı ise yuvarlak hatları ve daha yumuşak, akışkan estetiğiyle belirgin bir şekilde Japonlaşmıştır. Modern Japon popüler kültüründe (subculture) sıkça görülen şirin ve yuvarlak hatlı karakter tasarımlarının kökenleri de Yamato-e’ye kadar uzanabilir.

Daha sonra Yamato-e’den Rinpa stili doğmuştur. 15. yüzyıl civarında başladığı söylenen bu üslup, Kyoto halkı (esnaf ve zanaatkârlar) tarafından başlatılmıştır. Rinpa’dan önce resim; saray soyluları, samuraylar gibi yönetici sınıfla veya tapınak ve türbe gibi dini kurumlarla güçlü bir bağ içindeydi.

Büyük savaşlardan sonra ekonomik güç kazanan Kyoto’da yaşayan nüfuzlu halk tabakasından doğan Rinpa, Japonya’da sanatın demokratikleşmesinin ilk örneği sayılabilir.

Çin resmiyle kıyaslandığında, Rinpa dahil geleneksel Japon resmi daha duygusal ve anlatı odaklı olma eğilimindedir. Dahası, anlatıyı açıkça ifade etmekten kasten kaçınır ve bunun yerine izleyicinin hayal gücünü kullanmasına izin verir.

Konunun bilinçli olarak gizlenmesi, geleneksel Japon resminde bazen görülen ilginç bir özelliktir. Edo döneminde “Daregasode Byobu” (Kimin Kolu Ekranı) adlı bir paravan stili popülerdi. Bu stilde, ana figür paravanın içinde tasvir edilmez; bunun yerine sadece figürün giymiş olacağı, bir mobilyanın üzerine atılmış gibi duran kimonolar gösterilir.

Hatta klasik edebiyattan bir sahnenin tasvir edildiği ancak figürlerin karede yer almadığı, sadece arka planın kaldığı “Rusu Moyo” (Eksik Sahne) adlı bir tarz bile vardır. Bu, ana karakteri veya konuyu tamamen betimlemeyi “fazla söz kalabalığı” olarak gören benzersiz bir Japon estetik duyarlılığını yansıtır.

Tarihsel ve kültürel dönüşümler (siyasi değişimler, Batı ile temas ve modernleşme süreçleri gibi) Japon resim tekniklerini ve görsel dilini nasıl etkiledi?

Japon resim teknikleri genellikle denizaşırı etkilerle değişmiştir. Budizm’in Çin’den girişi, Japonya’ya bugün de devam eden temel resim tekniklerini getirmiştir. Öncelikle mürekkeple oluşturulan mürekkep resimleri ve Budist resimler, Japon sanatının erken tarihinde güçlü bir Çin etkisi göstermiştir.

Daha sonra Yamato-e ve onun halefi olan Rinpa okulu, benzersiz Japon ifadeleri geliştirmiştir. Ancak, Edo döneminin ortalarından itibaren Ukiyo-e adı verilen bir resim grubunun ortaya çıkmasıyla büyük bir değişim yaşandı. Ukiyo-e, modern terimlerle illüstrasyonlar gibi, Edo halkı arasındaki popülerliği ve tüketimi ile karakterize edilir. Bazı eserler el boyaması olsa da, en ünlüleri esas olarak ahşap baskılardı. Bu, onları sıradan insanlar için el boyaması işlerden daha uygun fiyatlı ve erişilebilir kılıyordu.

Dahası, Ukiyo-e bugün “çok Japon” olarak kabul edilse de, Batı resminden aldığı etkiler de kitleler arasındaki popülerliğinde bir faktördü. Hokusai’nin dünyaca ünlü “Kanagawa Açıklarında Büyük Dalga” eseri, ön plandaki devasa dalgaya kıyasla arka planda Fuji Dağı’nı son derece küçük tasvir eder. Hokusai’nin Batı perspektifini çalıştığı bilinmektedir ve uç perspektifli başka eserler de yaratmıştır.

Edo dönemi bitip modern çağ başladığında, Japon resmi daha fazla değişime uğradı. Modern Batı resminin etkisi belirginleşti ve geleneksel Japon malzemeleriyle Batı resim tekniklerini harmanlayan “Modern Japon Resmi” (Nihonga) doğdu. Yokoyama Taikan, bu tarzın belki de en temsilci ressamıdır. Ancak bu tarz, küresel sanat dünyasındaki etkisini kaybederek Japonya içinde biraz izole bir şekilde gelişti.

Bu durumu Takashi Murakami kuşağının değiştirdiği söylenebilir. Murakami, kısmen Batılılaşmış “Modern Japon Resmi” yerine; Edo öncesi resim stillerini manga ve anime gibi modern alt kültürlerle harmanlayan tarzıyla çağdaş sanat dünyasında güçlü bir varlık göstermiştir.

Japon minyatür ve rulo (emaki) resim geleneklerini dünyadaki diğer minyatür gelenekleriyle (örneğin Hind, Osmanlı veya Avrupa gelenekleri) karşılaştırdığınızda, ne tür ilişkiler veya farklılıklar gözlemliyorsunuz?

Japon minyatür resmi ve rulo resim geleneğinin, dünyadaki diğer minyatür resmi tarzlarıyla olan ilişkisine gelecek olursak:

Şimdiye kadar konuştuğumuz üzere, geleneksel Japon resmi tarihi üzerinde en büyük etkiyi Çin resminin yarattığını söylemek doğru olacaktır. “Minyatür resmi” teriminin ne kadar uygun olduğundan emin olamasam da, Budizm’in bir kolu olan Ezoterik Budizm’in doktrinlerinin görsel bir temsili olan mandala, özünde Çin kökenli bir üründür.

Mandalalar, Ezoterik Budist dünya görüşünün yapısının tasviri niteliğindedir ve genellikle son derece ince detaylar barındırır. Düzenli bir şekilde hizalanmış ızgaralar ve çemberler içine yerleştirilen çeşitli Buddhlar, adeta bir bilgisayar tarafından yaratılmışçasına geometrik olarak kusursuzdur.

Öte yandan, resimli rulolar (emaki) daha özgür akan bir hikaye anlatımı deneyimine izin veren bir formattır. Nadiren sadece görsellerden oluşurlar; genellikle önce kelimeler veya anlatı yazılır, ardından illüstrasyonlar gelir. Dahası, uzun yatay ekran kademeli olarak açılarak incelendiğinden, resmin tamamını tek bir bakışta kavramak imkansızdır. Bu nedenle, resimli rulo izleyicileri, tıpkı bugün manga okuyan ya da anime izleyenler gibi, yavaş yavaş açılan hikayenin tadını çıkarır ve resmin genelini kavramak için acele etmeden zaman ayırırlar.

Geleneksel Japon resminin bugünkü çağdaş sanatsal söylem içindeki konumunu nasıl değerlendiriyorsunuz? Sizce bu gelenek gelecekte hangi yöne evrilebilir?

Geleneksel Japon resminin günümüzde hâlâ geçerliliğini koruyan çeşitli unsurlar barındırdığına inanıyorum. Çağdaş Japon sanatçıları için, geleneksel eserlerin içinde kendi üretimlerine dahil edebilecekleri gizli bir fikir hazinesi yatıyor.

Takashi Murakami, işlerinde geleneksel Japon resminden ilham alan çağdaş bir Japon sanatçının en birincil örneğidir. Onun ortaya koyduğu “Superflat” kavramı, modern öncesi Japon resmini ve manga, anime, oyunlar gibi çağdaş Japon alt kültürlerini bir arada ele alabilen kapsamlı bir teorik çerçevedir. Murakami bunu ilk tanıttığında inanılmaz derecede taze bir fikirdi.

Ancak Takashi Murakami artık kıdemli bir sanatçı ve Superflat konseptinin ilk sunulmasının üzerinden çeyrek asır geçti. Bence artık sanat çalışmalarımız aracılığıyla Japon sanatına dair daha derin bir anlayışı keşfetme ve aktarma zamanımız geldi. Bu, Superflat’ın bir reddi değil, onun gelişimsel bir evrimi olmalıdır.

Japon sanatının çok az eseri tek başına, izole bir şekilde ele alınabilir; bunlar klasik edebiyat gibi kültürün diğer türleriyle derinden iç içe geçmiştir. Geleneksel Japon sanatının ünlü bir formu olan Ukiyo-e, dönemin sahne sanatı olan Kabuki ile ayrılmaz bir şekilde bağlatılıdır. Kabuki’nin bir hikayesi vardır ve bu hikayeler modern izleyicide karşılık bulduğu içindir ki bu tür bugün hâlâ sahnelenmeye devam etmektedir.

Ukiyo-e ve Kabuki bunlardan sadece birkaç örnektir, ancak diğer geleneksel Japon sanat formları da bünyelerinde hikayeler barındırır. Eğer bu eserleri, içerdikleri hikayelerle birlikte modern bir izleyici kitlesi için güncelleyebilirsek, Japon sanatının gelecekte daha da zenginleşeceğine inanıyorum.